Графический дизайн в современной России
Введение
Прежде всего, хочется отметить, что слово "дизайн" имеет неоднозначную
трактовку. Основные переводы с английского включают: план, проект, чертеж,
узор, умысел, намерение. То есть дизайнер, с одной стороны, конструктор
(особенно в области промдизайна), с другой - оформитель, а если смотреть
глобально - человек, определяющий идеологию предмета, над которым он
работает (независимо от того, веб-сайт ли это, танк или визитная карточка).
Но так эта наука называется сегодня. До того это можно было назвать
преддизайн, искусство эпох предметных фетишей, тотемодизайн, мифодизайн,
теодизайн. И развивалось все это согласно тому времени, той духовной и
материальной культуре. Дизайн - одно емкое понятие, а включает в себя в
нашем сознании: массовый и элитный дизайн, китч, стайлинг, поп-дизайн,
единичный арт-дизайн, городской публишь-арт, архитектурный дизайн,
промышленный дизайн, Web-дизайн, графический дизайн, кустарный дизайн,
исторический футуро-дизайн, прогностический дизайн будущего, фито-дизайн,
коммерческий рекламный дизайн, информационный и программный дизайн, научный
сайнс-дизайн, текстовый дизайн... Не буду оригинальным, если скажу, что
дизайнер обязан быть мастером во всех областях своей профессии. Корни
дизайна уходят к началу XIX века, в эпоху появления массового машинного
производства и разделения труда. До промышленной революции в труде
ремесленника дизайн непосредственно сочетался с изготовлением изделия.
История развития художественного конструирования берет начало с середины 19
в.
Исторические этапы формообразования:
Кустарное, ремесленное производство (до 18 века) - предтеча дизайна: ручной
труд примитивные орудия труда, примитивная технология, малосерийное
производство, учитывались все потребности человека к вещи: полезность,
функциональное совершенство, удобство, красота, экономическая
целесообразность. Производством бытовых вещей издавна занимались
ремесленники. Понятно, что ремесленник - не дизайнер. Ремесленник делает
одну и ту же вещь из одного и того же материала. Вещи получались
индивидуальные, эксклюзивные, дорогие (при качестве) и производились в
малом количестве (сколько сможет осилить один человек) 6 принципов работы
кустаря: социологический, инженерный, эргономический, эстетический,
экономический, экологический.
Индустриальное машинное производство (конец 18 века начало 20 века):
производство создало "нечеловечные, холодные предметы" С приходом века
индустриализации дизайнер стал создавать прототипы изделий, которые с
помощью машин производили другие люди. Практика раннего дизайна была весьма
примитивной. Функциональностью и экономичностью производимой продукции
занимались инженеры, а дизайнеры отвечали лишь за ее эстетический вид.
Оказалось, что дизайнеры должны создавать прототипы массового машинного
производства, предварительно изучив технологию современного производства и
свойства материалов. Назначению изделий и простоте обращения с ними
придавали столь же важное значение, как и их внешнему виду. В скором
времени дизайнерские фирмы стали набирать в штат чертежников, модельщиков,
инженеров, архитекторов и специалистов по изучению рынка. 1785г. в Англии
начинает развиваться индустриальное машинное производство - специализация,
узкопрофессиональный подход, разделение труда, потоковость.
Этап Дизайна (с начала XX века): этот этап соединил достоинства предыдущих
двух этапов :) Дизайнер работает на промышленном производстве, использует
различные материалы и технологии. Дизайнер связан с массовым производством
и с его уровнем и возможностями, а эти возможности, к сожалению часто не
оправдывают ожиданий. Оформители и бутафоры украшают свои вещи, но дизайнер
- существо высшее, он обязан мыслить масштабно и разнопланово, он обязан
наперед представлять как поведет себя его будущее творение в своей среде
обитания, как оно повлияет на среду и как среда уживется с вещью, а главное
дизайнер должен придать вещи максимальную симпатию к человеку, к тому, для
кого вещь будет предназначена, кому она будет служить. Дизайнер обязан
сохранить чистоту идеи - функциональную обоснованность для формы,
материала, суперграфики т.е. всех составляющих. И в конце концов
предугадать необходимость создаваемой им вещи. А что же должен знать
дизайнер (художник -конструктор) создавая вещь. Быт, этнографию,
демографическую ситуацию, социологию быта (чтобы понять кто, когда, как и
до каких пор будет пользоваться вещью, рождающейся сегодня), психологию,
физиологию, медицину, эргономику, технологию изготовления вещи, свойства
материалов, возможные инженерные и конструкторские решения. Дизайнеры
знают, что в этом мире все соотносится друг с другом и человек воспринимает
это на подсознательном уровне. Проблема цвета, например, уходит в глубины
психологии. В зеленых комнатах почему-то простужаются, а ящик , окрашенный
в желтый цвет легче поднять, чем серый ящик того же веса. Это уже
колористика - наука о цвете. Практика показывает: там, где ценится работа
дизайнера и выполняются его рекомендации, продукция отличается высоким
качеством.
История развития дизайна в России
[pic]
Наиболее сильной стороной отечественного дизайна была и остается эстетика,
что объясняется двумя принципиальными моментами: особенностями появления
дизайна в России и спецификой развития государства в XX веке.
В отличие от зарубежного дизайна, который возник из потребности
промышленности каким-либо образом стимулировать сбыт товаров, русский
дизайн вышел из беспредметного искусства в основном через творчество
производственников и конструктивистов. Художники и теоретики этих
направлений дали толчок к его возникновению. Идя по стопам Сезанна,
кубистов, они осознали необходимость определения базовых составляющих
произведения искусства, с помощью которых можно передать зрителю любую
чувственную информацию. Они искали универсальные элементы художественной
формы, протестуя против традиционного реалистического изображения объектов
действительности. Таким образом, художники пришли к противопоставлению
конструкции как воплощения истинной сущности предметов и композиции как
привнесенной извне формы, искусственно надетой на уже существующее. Именно
стремление сделать "конструктивную структуру" основой формообразования
объединило в общем движении художников некогда различных направлений.
Hа первом этапе развития (1917-1922) дизайн формировался на стыке
производства и агитационно-массового искусства. Основным объектом стало
художественное оформление новых форм общественной активности масс:
политических шествий и уличных празднеств. Оригинальная конфигурация и
устройство трибун, агитационных и театральных установок, киосков доказали
обоснованность переноса акцентов с разработки новых стилистических приемов
на художественно-конструкторские проблемы. Hаиболее интенсивно развивается
графический дизайн, что проявляется в принципиально новом подходе к
созданию плаката, рекламы, книжной продукции.
Hеобходимо отметить немаловажную роль театра в становлении конструктивизма.
Всеволод Мейерхольд предоставил сцену для реализации данной концепции на
практике. Hа первый план выходит материальная сторона художественного
творчества, которое трактуется как сознательная и целесообразная
организация элементов произведения, как изобретательство. Конструктивизм
переориентировал представителей беспредметного искусства на социальную
целесообразность творчества. В качестве основателей конструктивизма, чье
творчество имело принципиальное значение для дальнейшего развития дизайна,
можно назвать В. Маяковского, В. Татлина, О. Брика, В. Кушнера, позднее -
Б. Арбатова, А. Веснина, В. и Г. Стенбергов, А. Гана, А. Лавинского, Вс.
Мейерхольда, А. Родченко, В. Степанову, Л. Попову. Их центром стал
созданный в 1919 году Совет мастеров, а позднее - ИHХУК и, главным образом,
Рабочая группа конструктивистов ИHХУКа (А. Родченко, братья Стенберги, К.
Медуницкий, К. Йогансон).
Преобладание в социальном заказе на дизайн элементов агитационно-массового
искусства предопределило активное участие в движении "от изображения к
конструкции" прежде всего художников и их профессиональных организаций.
Однако признание новой концепции формообразования пришло лишь в 1921 году,
когда произошли определенные изменения в экономической ситуации. Так
совпало, что именно этот год характеризуется наиболее активными и
плодотворными пространственными экспериментами конструктивистов. Прежде
всего необходимо отметить деятельность первых "красных художников"
(выпускников ппервых ГСХМ - Государственных свободных художественных
мастерских), организовавших Общество молодых художников ков (Обмоху, 1919-
1923). Оригинальные конструкции и теоретические манифесты К. Йогансона,
братьев Стенбергов и К. Медуницкого подробно разобраны в книге С. О. Хан-
Магометов "Пионеры советского дизайна" (М., 1995). Конструктивизм перерос
производственное искусство, утвердив собственную эстетику и самостоятельные
цели. Основным "противником", полемика с которым не ослабевала, остается
супрематизм, основателем и идейным вдохновителем которого был Казимир
Малевич.
Второй этап развития дизайна в России (1923-1932) можно считать временем
становления его профессиональной модели. Россия становится одним из
важнейших центров формирования дизайна. Происходит становление школы
профессиональной подготовки дипломированных дизайнеров - производственных
факультетов ВХУТЕМАСа.
Дизайн переориентируется на решение практических задач: разработку бытового
оборудования для жилищ, обстановки рабочих клубов, общественных
интерьеров... Производственный заказ пока не играет определяющей роли, и
активной стороной остается сам дизайн, сохранивший энтузиазм
изобретательства. Основная цель - организация предметной среды с учетом
общих процессов в сферах труда, быта и культуры.
В этот период формируются оригинальные творческие концепции дизайна,
определившие его дальнейшее развитие. Более подробно о них можно узнать из
