1904), картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг
("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, музей; "Девочка на шаре",
Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; "Семейство
комедиантов", Вашингтон, Нац. гал.).
5.3. Накануне кубизма.
Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный характер, остается
безразличной к чисто пластическим проблемам, и художник, кажется, почти не
проявляет интереса к поискам современной живописи. С 1905, и, вероятно, уже
под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и
значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых
скульптурных работах
П.Пикассо. Женский портрет. 1907 год.
("Шут", 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода ("Мальчик,
ведущий лошадь", Нью-Йорк, Музей современного искусства). Но отказ от
декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки
летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к "примитивизму",
чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении
всей своей творческой карьеры. По возвращении Пикассо завершает портрет
Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских
обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над
"Авиньонскими девицами" (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной
очень сложной, в которой сочетаются различные влияния - Сезанна, испанской
скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник
отрицал это) одним из основных источников кубизма ("Танец с покрывалами",
1907, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).
5.4. Кубизм.
В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком,
что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической
революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго
(весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению
форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", лето 1909, Санкт-
Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы ("Портрет
П.Пикассо. Голова женщины. 1908 год. Акварель.
Фернанда Оливье", 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный
Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в
пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным
плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт).
Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя
первоначальная цель кубизма состояла в том. чтобы более убедительно, чем с
помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести
масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть
связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский
штрифт, элементы "обманок" и грубые материалы - обои, куски газет,
спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в
большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти
произвольно ("Гитара и скрипка", 1913, Филадельфия, Музей искусства,
собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в
спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 ("Портрет
девушки", 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду).
Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре
после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих
значительных произведениях художник использует некоторые кубистические
приемы вплоть до 1921 ("Три музыканта", 1921, Нью-Йорк, Музей современного
искусства).
5.5. Дальнейшая жизнь и творчество.
К 1917 относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального
художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета Парад
для «Русских сезонов» Сергея Дягилева. В следующем году женился на одной из
балерин труппы Дягилева, Ольге Хохловой.
П.Пикассо. Автопортрет. 1907 год.
В 1920-е годы Пикассо продолжал работать для театра, а также писал
картины в разнообразных стилях, от неоклассики до кубизма и сюрреализма. В
1928—1931 Пикассо вместе со своим старым другом Гонсалесом занимался
созданием произведений из металлических сварных конструкций. В начале 1930-
х годов художник сделал несколько графических серий, в том числе 30 офортов
к Метаморфозам Овидия для издательства «Скира» и к Неведомому шедевру
Бальзака по заказу коллекционера Амбруаза Воллара. Несколько основных
мотивов, которые обычно ассоциируются с творчеством Пикассо, — Минотавр,
художник и модель и др., — вошли в знаменитую серию офортов Сюита Воллара,
над которой он начал работать в 1930. В эти годы брак Пикассо распался; его
новой возлюбленной стала Мари-Тереза Вальтер.
В 1936, когда в Испании началась гражданская война, Пикассо стал на
сторону республиканского правительства и в подтверждение своей лояльности
принял предложение занять почетный пост директора музея Прадо. В конце
апреля 1937 мир узнал о бомбардировке Герники, в результате которой
маленький баскский городок был стерт с лица земли. Пикассо выразил свое
отношение к происшедшему в панно Герника. Оно предназначалось для
испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, а затем хранилось в
нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981, через шесть лет после
смерти Франко, картина была передана в Прадо.
Во время Второй мировой войны Пикассо жил в Париже вместе с Франсуазой
Жило, которая родила ему двоих детей. В 1946 мастер обратился к искусству
керамики и практически собственными силами возродил в городке Валлорис на
Ривьере некогда процветавшее там керамическое ремесло. Пикассо всегда
интересовался новыми технологиями, а в 1947—1950 разработал особую технику
литографии.
В 1944 художник вступил во Французскую коммунистическую партию.
Политические убеждения Пикассо, нашедшие отражение в Гернике, вновь
проявились в картине Война в Корее (1951) и двух больших панно Война и Мир
(1952), созданных для украшения Храма Мира в Валлорисе. В 1950-е годы
прошло несколько ретроспективных выставок Пикассо; тогда же он познакомился
с Жаклин Рок, на которой женился в 1961. В 1950—1960-е годы художник
вступил в диалог с великими мастерами прошлого: в 1954—1955 он написал
несколько вариаций на тему картины Делакруа Алжирские женщины, в 1957 —
Менин Веласкеса, а в 1959—1960 — Завтрака на траве Мане. В 1960-е годы
Пикассо создал монументальную скульптурную композицию высотой 15 м для
общественного центра в Чикаго. В 1970 художник подарил более восьмисот
своих произведений музею-дворцу Агилар в Барселоне. Пикассо умер в Мужене
(Франция) 8 апреля 1973.
Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику,
который в 1970 преподнес в дар городу свои работы. В 1985 музей Пикассо был
открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками
художника, - более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков,
эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары
наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей
современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины,
рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).
Уже первые рисунки Пикассо, выполненные в барселонской художественной
школе и Академии Сан-Фернандо, выглядят как произведения мастера, полностью
владеющего техникой рисунка. В картине Мулен де ла Галетт (1900)
чувствуется интерес девятнадцатилетнего художника к ночной жизни Парижа,
особенно такой, какой ее изображал Тулуз-Лотрек. С начала 1900-х годов в
творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по
огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно
найти параллели у других художников.
Картины Пикассо «голубого периода» отражают мир одинокого человека.
Иногда в работы художника проникают лирические нотки, например в картине
Голубая комната (1901, Вашингтон, галерея Филипс), но более типичны для
этого периода его творчества мотивы нищеты и крайней усталости. На картине
Старый гитарист (1903, Чикаго, Художественный институт) изображена
удлиненная, болезненно согнутая фигура. Всепроникающий голубой цвет —
визуальный аккомпанемент меланхолической мелодии. Загадочность и
задумчивость, разлитые в произведениях Пикассо этих лет, словно достигают
предельной концентрации в большом холсте Жизнь (1903, Кливленд, Музей
искусства). Молодая пара с грустью смотрит на женщину, держащую на руках
ребенка.
«Розовый период» (1905—1906) отмечен радикальной переменой цвета и
настроения в творчестве Пикассо. Голубоватый тон работ предшествующего
периода уступил место нежным оттенкам розового и серого в сочетании с
яркими цветами. В эти годы Пикассо часто изображал клоунов, акробатов и
бродячих цирковых артистов. Картина Семья бродячих циркачей (1905,
Вашингтон, Национальная галерея) на первый взгляд кажется свободно и широко
написанной яркой виньеткой из фигур акробатов. Вглядевшись внимательнее,
зритель замечает, что каждый персонаж психологически отделен от остальных и
здесь царит атмосфера одиночества. К этому периоду относятся также
многочисленные гравюры и первая серия скульптур.
В работах, выполненных летом 1906 в местечке Госол в испанских
Пиренеях, впервые появляются симптомы решительного разрыва с классической
традицией. Как Гоген, Бранкузи и фовисты, Пикассо почувствовал
необходимость начать сначала, обратившись к наивному, примитивному
